¿Quiénes son?

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INVESTIGANDO..💡🔍🔎

¡¡Hola!! Esta vez me paso por aquí para hablaros en profundidad de los tres autores de los cuales he tenido que investigar y aprender un poco sobre ellos. Además, hoy he tenido que exponer a uno de ellos el cual es "Eduardo Chillida". Os dejo también el enlace de la presentación que he usado para exponerlo. Espero que os guste y paséis un rato agradable aprendiendo. Muchos besos y hasta dentro de muy poco💋💖

EDUARDO MANET. 

Eduardo Manet es uno de los primeros artistas del siglo XIX en usar temas de la vida moderna y cuyas obras fueron una inspiración para los iniciadores del impresionismo.

El impresionismo es una escuela pictórica que nace en Francia en el siglo XIX y se caracteriza fundamentalmente por trasladar al lienzo la particular visión que tiene el artista sobre aquello que va a pintar.
Para ello, los autores pertenecientes al impresionismo prestan especial atención a la atmósfera luminosa que rodea a los objetos. El objetivo de estos, es conseguir una representación espontánea y directa de la realidad y utilizan fundamentalmente colores primarios.
Se centran más en los efectos que produce  la luz natural sobre los objetos, que en la representación exacta de sus formas, ya que la luz normalmente tiende a difuminar los contornos.

Nació el 23 de Enero de 1832 en París, su padre era el jefe de personal del Ministerio de Justicia y su madre era hija de un destacado diplomático, por lo que se puede decir que pertenecía a una familia de la alta burguesía.

Empezó sus estudios en el colegio Rollín y su padre deseaba que iniciara la carrera judicial para ser abogado pero Manet prefiere presentarse al examen de ingreso en la Academia Naval, pero no fue aprobado. No obstante, la influencia de su padre consiguió que se enrolara en un buque que tenía un itinerario entre Francia y América del Sur y así fue, como a los 16 años emprendió una larga travesía con el propósito de que se hiciera aprendiz de piloto.

En el regreso de París, intenta nuevamente ingresar en la Academia Naval pero vuelve a obtener el mismo resultado y ahí se demuestra que claramente Manet no quiere ser abogado, por lo que solicitó permiso paterno para iniciar sus estudios de pintura.
Manet se inscribió en un curso donde conoció a Antonin Proust, el futuro Ministro de Bellas Artes y posteriormente su amigo de toda la vida.
Se va enfrentando en algunas ocasiones con su maestro principalmente por considerar anticuadas sus enseñanzas. Sintió gran atracción por la pintura española, especialmente por Diego Velázquez y Goya.

Más tarde va a visitar Alemania, Italia y los Países Bajos y en este tiempo, va a absorber todas las influencias del pintor Hals y de otros españoles.

En 1859  presentó su primera obra al Salón de París, una sala de exposiciones patrocinada por el gobierno y controlada por un jurado conservador, ya que era el único lugar que si triunfaba, se aseguraba el éxito inmediato. Presentó “El bebedor de ajenja”, obra que fue rechazada por el jurado y esto llegó a levantar una tormenta de burlas y controversias.

Años después vuelve a intentarlo con dos obras “Retrato de M. Y Mme. Manet” y “El guitarrista español”, con esta última consigue una mención de honor.

Su estilo incluye el homenaje a la pintura española del Barroco junto al empleo de sugerencias de la estampa japonesa.
El gusto por lo español se va a reflejar en buena parte de sus trabajos pero irá incorporando de una manera paulatina escenas de la vida parisina del momento.
Los grabados populares también le proporcionaron un frecuente repertorio de imágenes y clases de temas que elegía tan a menudo.

Después de todos los rechazos que tuvo del Salón de París, Napoleón II decide crear el Salón des Refusés (Salón de los Rechazados) en el que se permitiría al público poder contemplar aquellas obras que su jurado se había permitido defenestrar.
Pero finalmente, creará su propio estudio, ya que tuvo de nuevo rechazo de obras en el salón.

Sufre los primeros dolores que le llevarán a la enfermedad que le produjo la muerte, pero eso no le impide seguir realizando obras de arte.
Realiza numerosos retratos de amigos y jóvenes que visitan su estudio y ese mismo año, presenta una obra con la que retoma la facilidad de mostrar la vida cotidiana de París.
A lo largo de toda su trayectoria realizó, 420 pinturas al óleo, 85 pinturas al pastel, 114 acuarelas y numerosos grabados.
En sus obras también destaca un autorretrato y un retrato que le hizo otro autor.
En cada una de estas técnicas había aportado siempre algo inédito, realizado siempre con insólita maestría.

Como conclusión, se podría decir que la figura de Manet en el arte es muy inspiradora a pesar de que sus obras fueran rechazadas constantemente, él nunca abandonó su integridad y continuó pintando como deseaba.


                Eduardo Manet , 1882,  “Bar del Folies-Bergère”. Recuperado de: https://es.wikipedia.org/wiki/Un_bar_aux_Folies_Bergère


EDUARDO CHILLIDA


Fue un escultor y grabador español que nació en San Sebastián el 10 de enero de 1924 y murió el 19 de agosto de 2002 a sus 78 años de edad.
Fue muy conocido por sus trabajos en hierro y hormigón además de seguir la tradición de Julio González y Pablo Picasso, otros dos escultores españoles.
Comenzó su trayectoria siendo portero de fútbol en la Real Sociedad, pero tuvo que dejarlo por una lesión. A los 19 años inició sus estudios de Arquitectura en la Universidad de Madrid, pero más tarde los abandonaría para dedicarse plenamente a la escultura y dibujo.
Su actividad comienza en 1948 cuando viaja a París para comenzar una nueva vida. Allí conoce a Pablo Palazuelo, un pintor, grabador y escultor español, con el cual establece un lazo de amistad. Empieza a estar apasionado por la escultura griega y reconoce en su obra temprana unas influencias de los “Kouros” de la Grecia preclásica. Pero en 1950  se casa con Pilar Belzunce, y después del nacimiento de si primero hijo, decide regresar a San Sebastián para comenzar a trabajar en una villa de Guipúzcoa, donde la introducción del hierro produjo un gran cambio fundamental en su trayectoria.
En 1954 realiza su primera exposición individual en la Galería Clan de Madrid.
Fue un escultor que relacionaba la capacidad física y el arte, el cuerpo del artista estaba integrado en su obra, algo que tiene que ver más con la escultura que con la pintura. Tenía muchas simbologías, basadas en la tierra, nunca realizó réplicas aunque sí variaciones. Trabajó principalmente el metal, la piedra o el cemento, buscando esa relación ancestral entre espacio, ser humano y entorno.
Recibió varios premios a lo largo de su trayectoria, en 1981 la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas artes en Madrid y en 1987 le otorgaron el premio príncipe de Asturias de las artes
Casi en los últimos años de su vida, constituyó el museo Chillida-Leku, un museo
donde Chillida distribuyó una gran muestra de su obra. Es un museo a la medida de sus obras, al aire libre, donde se integra la perfección y se puede observar la realidad desde una nueva perspectiva.
Además fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad Complutense de Madrid.
OBRA.
Las primeras esculturas que tiene, son obras figurativas, torsos humanos tallados en yeso, como son  “Forma”, “Pensadora”, “Maternidad”, “Torso” o “Concreción”.
En todas estas obras el punto de partida es la escultura griega arcaica pero más tarde se empieza a apreciar su preocupación por la forma interior.                                                                          
Comenzó a modelar obras figurativas pero finalmente tendió hacia formas más abstractas, como es el ejemplo de “Metamorfósis”.
También en esta época realiza una serie de dibujos con figuras femeninas sentadas y echadas. Esta línea le serviría más tarde para las bases futuras de las esculturas.
En un primer momento, el hierro fue el material preferido para la búsqueda espacial, y por lo tanto, va a emprender su preocupación por la introducción de los espacios abiertos; pero posteriormente introdujo otros materiales como la madera o el hormigón, entre otros.
La primera pieza en hierro “Ilarik” se trata de una escultura abstracta, que en realidad es una estela funeraria. En esta pieza, podemos apreciar la relación entre la masa maciza del monolito y el espacio que señala.
Centrado en el empleo del hierro, elaboró obras en macizo aspecto y otras más aéreas, pero siempre intentando captar el espacio a base de ritmos geométricos que lo estructuraban arquitectónicamente. Se ve reflejado en obras como “Espacios perforados I”, “Espíritu de los pájaros I”.

 Comenzará también su evolución realizando una escultura en madera “Abesti Gogora”, mediante la cual incide en el espacio a través de la yuxtaposición de unas vigas de grandes dimensiones que impulsan la escultura a aprehender el vacío.

Hará su primer trabajo en hormigón y seis años después, una de las obras más conocida y que siempre le obsesiono es “El peine del viento” que se instaló en la punta de la bahía de San Sebastián.
La naturaleza va a intervenir como un elemento más, pero sin forzarlo ya que recurre al viento y al agua, intentando que todos formen parte de la escultura.

El primer peine que creó fue en 1968, que es la escultura más esquemática de líneas rígidas y racionales, “Peine del viento I”.
El último peine que creó fue en 1999 y fue una de sus últimas esculturas porque al año siguiente cayó enfermo.
En total, hay 24 peines del viento repartidos por el mundo. El más simbólico y conocido peine es el que está instalado en el mar de San Sebastián. Pero en los montes de Hernani hay otro peine muy especial, ya que el escultor lo realizó a petición de su mujer.
En 1957 abrirá una nueva etapa de experimentación en la que predominará ritmos lineales más movidos e inquietos y con una difícil comprensión. Realiza un grupo de esculturas “Rumor de límites” donde se aprecia ya esa primera evolución. La ha llamado así, para enseñar la posibilidad que le otorga el espacio de ser escultor.
Continua su evolución con la serie “Elogio de la luz”, que es una escultura hecha con el material alabastro, que es una piedra blanca parecida al mármol.
Más tarde, sobre 1980, se va a especializar en la instalación de piezas de grandes dimensiones en espacios urbanos o en la naturaleza. La serie “Lugar de encuentros” son enormes piezas que aparecen suspendidas en el aire colgando de cables de acero.
En 1985, su obra en papel experimentó un gran giro con la creación de sus primeras gravitaciones, ya que marca un nuevo rumbo en el collage, y el aire va a ser el protagonista. Las gravitaciones son composiciones a partir de papeles recortados superpuestos que unidos por hilos cuelgan otorgando a las obras sensación de ingravidez.

 En 1990, hará una de sus esculturas más importantes, "Elogio del horizonte", situada en Gijón. Es una escultura hecha de hormigón, y tiene 10 metros de altura y pesa 500 toneladas.
En 1998, el Museo de Reina Sofía le rindió homenaje con la retrospectiva “Chillida 1948-1998” y se exhibieron 170 obras del artista. En 2000 fue uno de los años más importantes en su vida, ya que además de recibir un homenaje de la ciudad de Bilbao, vio cumplir su sueño al inaugurar en Hernani su museo al aire libre, el "Chillida-Leku", como bien he dicho al principio.

Las obras de éste, modela todo tipo de materiales, desde el granito hasta la madera, pasando por el acero, el alabastro, el hormigón, el hierro o la terracota.

A lo largo de toda su trayectoria, Chillida investigó al hombre y a la naturaleza, en la monumentalidad del volumen, del vacío y de los materiales


                         Eduardo Chillida, 1977. “Peine del viento XV”. Recuperado de: https://www.google.com/search?q=peines+del+viento&client=safari&rls=en&tbm=isch&source=iu&ictx=1&fir=iUOot_LXmpdItM%253A%252C8iiLy0_I9GrDQM%252C_&vet=1&usg=AI4_-kSUHVen0iQ4KRs1e7r3RylRmMRg0Q&sa=X&ved=2ahUKEwj165Xh6tPnAhVdA2MBHRHTCEAQ9QEwAXoECAkQGQ#imgrc=iUOot_LXmpdItM

                  Eduardo Chillida, 1952  “Peine del viento I”. Recuperado de: https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/peine-viento-i


Eduardo Chillida, 1990, "Elogio del horizonte". Recuperado de: 
https://culturacientifica.com/2016/08/26/elogio-del-horizonte-chillida-encuentro-ciencia-arte/


CYRUS KABIRU 


Kabiru nació en 1985 y es un artista autodidacta de Kenia y uno de los representantes de la nueva generación de artistas plásticos africanos.
Empezó desde pequeño a ser un artista visual, pintaba, esculpía, reciclaba y por ese motivo, creo unas gafas.

Sus trabajos son representaciones humorísticas de la vida contemporánea de Kenia y es conocido por sus gafas artísticas C-stunners, que están hechas con material reciclado.
C-stunners es un juego de palabras, ya que la “C” viene de su nombre Cyrus, y “stunners” porque son impresionantes. Detrás de cada pieza que componen las gafas hay una historia hecha con materiales reciclados que se transforman en una nueva forma de comunicación socal.

Su padre fue quien le inspiró a crear gafas, ya que cuando era pequeño, el deseaba que se las pusieran pero dada la situación familiar no podían permitírselas, por lo tanto su padre le dijo que si las quería, tenía que conseguirlas el mismo.
Otro de los motivos por los que está inspirado a crear es que desde pequeño, se crío en los suburbios de Nairobi y cada vez que se despertaba lo único que veía era basura, así que empezó a pintar y añadir en sus creaciones objetos que encontraba.
Y fue así como empezó a buscar materiales entre la basura, y con papel, madera y alambre  y creo su primer ejemplar.
Por ese motivo, cada gafa tiene un por qué, digamos que tienen básicamente su propia historia.
Con su trabajo lo que pretende transmitir es una nueva forma de comunicación entre el medio ambiente y el público, además de los materiales que usa y lo que pretende expresar a través de ellos. Es una persona muy comprometida con el medio ambiente y eso, le da un sentido al trabajo que realiza.
Su obra se sitúa entre la moda, el arte, el diseño y el espectáculo y además captura la sensibilidad y la actitud de una generación de los jóvenes de Nairobi.
Kabiru no tiene artistas favoritos ya que nunca ha querido tener un modelo al que seguir, pero si comenta en algún que otro artículo que la gente con la que trabaja y comparte sus ideas son sus artistas favoritos, del mismo modo, comenta que cualquier artista africano le inspira.
Ha demostrado que la imaginación puede ser un arma sin límites que traspasa las fronteras del arte. Su trabajo forma parte de un nuevo movimiento de arte innovador que se basa en el compromiso comunitario mediante el uso de materiales que forman parte de la cotidianeidad.
Kabiru cree en la idea de dar una segunda oportunidad a la basura y quiere que la gente se pare a pensar en esto, en el hecho de dar una segunda oportunidad a los “desechos”.
El músico estadounidense Bobby Womack usó sus modelos ‘C-STUNNERS’ en la portada del número de diciembre de 2012 de la revista Clash.

Además, sus impresionantes creaciones han aterrizado por primera vez en Estados Unidos y ha participado en la conferencia “El joven, el talento y el desconocido” de TEDTalks  en California.



-       Fotos de Cyrus Kabiru. Recuperado de: http://www.afribuku.com/cyruskabiru/

  Bibliografía. 





Comentarios

  1. Paz21 de febrero de 2020, 8:10

    Me ha encantado tu presentación, sencilla, sin mucho rollo, fácil de entender!!

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